Antonio Canova er en italiensk skulptør og kunstner. Han var den viktigste representanten for klassisismen i europeisk kultur. Akademikere fra XIX århundre, inkludert Thorvalsen, anså ham som et forbilde. De største samlingene av Canovas arbeider oppbevares i Louvre og eremitasjen.
En fremragende representant for den nye klassisismen berømmet den perfekte skjønnheten. Med sitt arbeid gjorde han en revolusjon innen kunst. Mesteren begynte å skape på barokk vis av Lorenzo Bernia, men klarte så å finne sin egen vei.
Begynnelsen på kreativitet
Biografien om den berømte mesteren begynte i 1757. Han ble født i den italienske byen Possagno i familien til steinhuggeren Pietro Canova og kona Angela Zardo Fantolini 1. november. Far døde i 1761. Barnet ble oppdratt av bestefaren.
Pazino Canova, som eide murverksteder, var veldig vanskelig. Gutten lærte å jobbe med stein. Bestefar la merke til talentet til barnebarnet sitt og introduserte Antonio Giovanni Faliero. I 1768, under beskyttelse av en innflytelsesrik senator, begynte den unge mesteren å produsere de første verkene.
For å lære bort barnebarnet, solgte bestefaren gården. Med mottatte midler klarte Antonio å studere kunsten i antikken. I oktober 1773 begynte den unge mannen skulpturen "Orpheus og Eurydice", på oppdrag av hans skytshelgen. Ferdig med skulpturen til Canova to år senere. Suksessen med arbeidet var øredøvende.
Kilden til inspirasjon for den unge billedhuggeren var eldgammel gresk kunst. Anerkjente mesterverk fra hans tid er ikke inkludert i antall forbilder. I Venezia åpnet Antonio sitt verksted. I den i 1779 ble det opprettet en ny komposisjon, Daedalus og Icarus. Etter å ha vist det på Markusplassen, ble det igjen universell anerkjennelse.
Fantastisk arbeid
På et av Canovs første vellykkede arbeider presenteres to skikkelser. Icarus er upåklagelig vakker og ung. Kroppen til gamle Daedalus er ufullkommen.
Daedalus og Icarus
På eksemplet med sammenstilling av ungdom og alderdom blir inntrykket av komposisjonen forsterket.
Skulptøren fant og brukte en ny, som har blitt en favoritt, teknikk. Symmetriaksen løper gjennom sentrum, men figuren til Icarus avviker tilbake. Sammen skaper begge heltene en X-formet linje, som gir den nødvendige balansen. For mesteren var også skyggen og lyset viktig.
I 1799 flyttet den tjueto år gamle mesteren til Roma. Han begynte å studere kreasjonene til mestrene i Hellas. Etter å ha lært alle hovedpersonene i mytologien, fortsatte Canova å fundere over sine egne kunstneriske tradisjoner. Den unge mesteren satte enkelhetens edelhet på basen. Dette påvirket arbeidet hans markant.
"Cupid og Psyche"
Skulpturer av samtidige Antonio satt på nivå med de legendariske billedhuggerne fra antikken. Mesteren jobbet med å forbedre den klassiske stilen. Skulptøren passet perfekt inn i den kulturelle atmosfæren i den evige byen. Hans arbeid brakte ham anerkjennelse og suksess over hele verden.
Komposisjonen "Cupid and Psyche", utført i 1800-1803, er representert av to skikkelser. Kjærlighetens Gud kikker inn i ansiktet til en vakker elsker med ømhet. Psyche svarer ham med den samme følelsen. Skjæringspunktet mellom begge figurene danner en svingete og myk X-formet linje.
Publikum får inntrykk av flytende figurer i lufta. Psyke med Cupid avviker diagonalt. Likevekt oppnås med de utstrakte vingene til en innbygger i Olympus. Midt i komposisjonen er den klemende guden for kjærlighet Psyche. Former av former kjennetegnes ved elegant glatthet. Så uttrykker mesteren ideen om skjønnhetsidealet. Den opprinnelige statuen oppbevares i Louvre.
Skulptørens første arbeider gjentok verkene fra eminente billedhuggere. Mens han studerte verkene til greske mestere, bestemte Canova seg imidlertid for å unngå å overdrive viktigheten av lidenskap og gester i komposisjonene. Han kom til den konklusjon at bare ved streng beregning og kontroll kan han formidle sensualitet med idealitet.
Mesterens verk var ikke noe som kunsten kjent for samtidige hans. I faser skapte Canova unike arbeider, og beveget seg fra voks og leire til gips. Først etter at alt begynte å jobbe med marmor. Billedhuggeren jobbet utrettelig i 14 timer, uten å forlate verkstedet i enda et minutt. Det er ingen informasjon om hans personlige liv.
"Tre nåder"
Mellom 1813 og 1816 ble skulpturen "Three Graces" opprettet. Ideen ble presentert av Josephine Beauharnais. Det er antakelser, til å begynne med skulle skulptøren fremstille Harit tradisjonelt, slik det var antatt i mytologien. Thalia, Euphrosyne og Aglaya, de vakre døtrene til Zeus, akkompagnerte gudinnen til skjønnheten Afrodite.
Symboler av nåde ble glede, velstand og skjønnhet. Den sentrale figuren i komposisjonen er omfavnet av de to andre. Enhet styrker skjerfet som forener dem. En søyle med en krans plassert på den fungerer som et slags alter.
Leken av lys og skygge oppnås ved glattheten i kroppens bøyer og den perfekte behandlingen av marmor. Denne teknikken ble brukt i andre kreasjoner av mesteren. Harmoni og raffinement legemliggjør de tre harittene. Den originale skulpturen oppbevares i Eremitasjen.
Marmor skulptør brukte bare hvit marmor til modellering. Med komposisjonens harmoni virker kreasjonene levende. Inntrykket av vekkelse i bevegelse. Et trekk ved mesteren av mesteren var maksimal polering av materialet. Alle verk fikk en spesiell glans, og fikk oppmerksomhet til naturlighet.
